A partir del trabajo colectivo y desde el pensamiento crítico, Entrelazando se ha ido constituyendo desde su fundación en el 2011 como Productora audiovisual y fotográfica, y desde el 2020, como Editorial artesanal autónoma.

Entrelazando es un espacio de taller, encuentro, trabajo, pensamiento y toma de posición, que busca reflexionar y ofrecer miradas críticas sobre cómo crear narrativas que permitan múltiples modos de expresarnos y de relacionarnos. A su vez es un observatorio del presente y un espacio para recuperar y conservar los archivos y resignificar sus memorias. Por ello su constante apuesta por los ejercicios de documentación.

El proyecto está conformado por Ariel Arango Prada y Laura Langa Martínez, quienes desde disciplinas complementarias articulan investigación, creación y exploraciones artísticas principalmente en América Latina.

Miembros

Fotógrafo y documentalista independiente. Se formó en Cine y Fotografía en Argentina, donde fundó Entrelazando en 2011. Su trabajo se ha centrado en la identidad cultural, las expresiones artísticas y urbanas, el conflicto y la memoria, principalmente en contextos latinoamericanos. Sus obras fotográficas y audiovisuales han sido expuestas en diversas geografías y han recibido múltiples reconocimientos.

Doctora en Antropología Social y Cultural. Ha investigado procesos de violencia, justicia (in)transicional, archivos y memoria desde una perspectiva histórica y comparada. Codirige la productora audiovisual y la editorial de Entrelazando. Ha participado en proyectos de investigación I+D+i sobre exhumaciones, necropolítica y derechos humanos. Fue consultora para la Comisión Nacional de Territorios Indígenas en Colombia investigando sobre la reconfiguración de la guerra y la violencia política contra el pueblo nasa en el norte del Cauca.

Más información:
http://www.entrelazando.com/

Laura Huertas Millán (b. 1983, Colombia) is an artist and filmmaker. She holds a PhD from Université PSL (SACRe-Programm) in Paris and conducted research at Harvard’s Sensory Ethnography Lab as part of her studies. Her films have been shown at leading festivals including the Locarno film festival, FIDMarseille, Doclisboa in Lisbon, and Videobrasil in São Paulo. MASP São Paulo, Maison des Arts de Malakoff, and Museum of Modern Art in Medellín have mounted solo exhibitions of her work. Moreover, her work has been shown at Centre Pompidou and Jeu de Paume in Paris, Guggenheim Museum in New York, Times Art Center Berlin, Liverpool Biennale, FRONT International – Cleveland Triennial for Contemporary Art, Videonale in Bonn, and Sharjah Biennale. She lives and works in France.

Wilson Díaz Polanco es un artista visual colombiano que explora el paisaje sociopolítico del país a través de la cultura popular, el conflicto armado y las representaciones mediáticas.

Nacido en 1963 en Pitalito, Huila—una región rural productora de coca en el sur de Colombia—Díaz creció inmerso en las realidades del conflicto armado que han marcado la cultura visual y política del país durante más de medio siglo. 

Radicado en Cali desde mediados de los años noventa, inició su carrera como pintor autodidacta antes de expandirse a otros medios. Díaz es miembro fundador de Helena Producciones, un colectivo artístico independiente creado en 1998 para construir una comunidad creativa incluyente en Cali y producir un festival de performance, con ocho ediciones hasta la fecha. También ha sido docente en instituciones como la Universidad del Valle y el Conservatorio de Bellas Artes de Cali.

Díaz trabaja en pintura, instalación, video y performance, frecuentemente utilizando imágenes de la cultura popular, la música, los medios masivos y la economía visual del conflicto. Sus temas incluyen el legado del conflicto armado, el entrelazamiento entre cultura y poder, y los imaginarios cotidianos de la identidad cambiante de Colombia. Por ejemplo, su exposición Quimera (2017) examinó el papel de los discos de vinilo, la música popular, la cultura guerrillera y la estética de la mercancía en una instalación única. Con humor y tácticas de archivo, Díaz cuestiona cómo los medios y la música han moldeado y reflejado las dinámicas sociales y políticas del país.

Una línea distintiva en su obra es su relación con la hoja de coca. Utiliza coca y materiales derivados de ella (como tintes y carbón), así como instalaciones que aluden al papel cultural, ecológico y político de la planta en Colombia. A través de estas obras, Díaz examina la coca como un punto de encuentro entre biodiversidad, guerra contra las drogas, resistencia cultural y economías químicas, reflexionando sobre las historias nacionales, globales e indígenas de violencia y resiliencia.

Wilson Díaz Polanco ha alcanzado un reconocimiento internacional significativo, comenzando con su participación en la 50ª Bienal de Venecia (2003) y posteriormente en la 10ª Bienal de La Habana (2009). Su obra ha sido presentada en importantes exposiciones individuales, incluyendo Quimera en el Museo Tamayo de Ciudad de México (2017), la retrospectiva Con Wilson… dos vulnerables décadas locales y visuales en la Galería Santa Fe de Bogotá (2014), y Sabor y conflicto: razones para conectar en el Museo La Tertulia de Cali (2021–2022). También ha sido artista residente en el prestigioso Programa de Artistas de Berlín del DAAD (2017–2018), culminando con una exposición en la daadgalerie.

Anyi Ballesteros es una artesana textil que trabaja en la intersección entre la ecología, la comunidad y las tradiciones ancestrales del oficio. Dirige Agroarte, una organización dedicada a la producción orgánica de seda y a la revitalización de los saberes ancestrales de la tintorería natural. Fundada en 1989 por diez familias campesinas, Agroarte se ha consolidado como un ejemplo vivo de resiliencia rural, donde las mujeres lideran cada etapa del proceso: desde el cultivo de las moreras y la crianza del gusano de seda, hasta la cosecha del hilo y el tejido manual de textiles teñidos con pigmentos extraídos de la tierra.

A través de proyectos como Pajarita Caucana, la colección Esencia, Memoria y Transformación y colaboraciones continuas con artistas contemporáneos, Ballesteros y las artesanas de Agroarte han explorado la gama cromática de la hoja de coca, reivindicando su dimensión ancestral y cultural. Al extraer color de frutos, raíces, semillas y hojas propias del territorio caucano, redefinen el papel de la planta de coca dentro del arte textil, transformándola en un medio de sanación y narración para comunidades que han vivido las consecuencias del conflicto en torno a su cultivo.

El trabajo de Anyi Ballesteros y Agroarte ha sido presentado en COCAWORLDS en Taller Boricua (Nueva York, 2024); en Arte Vivo: Amazonia, exposición organizada por Artesanías de Colombia en el marco de la Feria ARCO de Madrid (2024); y en la Bienal de Arte de Salerno, en Italia (2025).

Alejandra Delgado Uría es una artista visual y fotógrafa boliviana cuyo trabajo explora la arquitectura, la memoria y la identidad en la región andina.

Nació en La Paz, Bolivia, en 1977. Estudió en la Academia Nacional de Bellas Artes “Hernando Siles” en La Paz y posteriormente obtuvo una Maestría en Fotografía en la Escuela de Fotografía EFTI (Centro de Imagen) en Madrid, España. Más tarde se trasladó a Lima, Perú, donde actualmente vive y trabaja. Su carrera comenzó a inicios de los años 2000, con obras en video y performance ya presentes entre 2006 y 2008.

La obra de Delgado Uría abarca fotografía, video, performance e instalación. Con frecuencia trabaja con la arquitectura andina, las formas urbanas y la identidad, empleando superposición, collage y desplazamientos visuales —como en su serie Fantasmagorías, que aborda la arquitectura “cholet” boliviana—. Su práctica investiga historias culturales, relaciones de poder e imaginarios espaciales de los Andes. Ha expuesto ampliamente en América Latina, Europa y Estados Unidos, y ha sido parte de exposiciones colectivas curadas de relevancia, como en el Art Museum of the Americas / OEA. Es considerada una artista boliviana-andina contemporánea de importancia en el diálogo internacional.

Desde 2013, Delgado Uría también trabaja directamente con la hoja de coca en su instalación-video Danza Macabra Op. 40 (2013): un lecho de hojas de coca (1 × 2 m) se convierte en superficie de proyección para unos pies femeninos que bailan Danse Macabre de Saint-Saëns, entrelazando referencias al consumo ritual, al trabajo de género en el cultivo de la coca y a la vida ilícita que se le impone. 

Su práctica ha adquirido creciente visibilidad internacional, con hitos recientes como su participación en Fragmenting Obsolescence. Matter in Conflict en BIENALSUR 2023 y su próxima edición BIENALSUR 2025 en La Paz; su inclusión en Panorama del Videoarte de Bolivia en el Centro Cultural de España (2021); la exposición colectiva Building Dialogs en el Art Museum of the Americas/OEA en Washington D.C. (2020); y su exposición individual Fantasmagorías en Nube Gallery en Santa Cruz (2018).

Tatiana Arocha es una artista colombiana nacida en Nueva York en 1974, cuya práctica explora la intimidad entre las personas y la tierra, la memoria personal y su propia experiencia como inmigrante.

Egresada de la Facultad de Diseño Gráfico de la Universidad Jorge Tadeo Lozano de Bogotá y del Mural Arts Program de la ciudad de Filadelfia, Arocha reconstruye en su obra los bosques tropicales de Colombia, abordando las pérdidas ecológicas, emocionales y culturales provocadas por las economías extractivas y las prácticas coloniales. La hoja de coca ha sido un eje central en su investigación artística: a través de su trabajo, indaga en el conocimiento ancestral y campesino asociado a esta planta, en contraposición con la visión tergiversada que desde Occidente se ha proyectado sobre ella.

Desde hace más de una década, Arocha investiga los procesos de colonización y explotación de la planta de coca por parte de las potencias europeas, mediante un análisis de su representación visual en la historia y la publicidad. A partir del diálogo con sabedores indígenas provenientes del Amazonas, y utilizando a menudo la propia planta, sus texturas y fibras, su obra propone una descocainización de la coca, buscando comprenderla más allá de su vínculo con la producción de narcóticos. Su práctica resalta la complejidad del conocimiento ancestral que la sustenta, con énfasis en el rol de las mujeres —urbanas y rurales— en la conservación de ese saber y en la transformación del estigma que rodea a la planta.

En 2023, Arocha recibió una beca MacDowell, el Premio Anual a la Excelencia en Diseño otorgado por la Public Design Commission de la Ciudad de Nueva York, y una residencia en Residency Unlimited. En 2024 fue artista residente en el Santa Fe Art Institute. Entre sus residencias anteriores se encuentran The Lower East Side Printshop, LABverde, Sinfonía Trópico y The Wassaic Project.

Arocha ha recibido apoyo del Sustainable Arts Foundation, el Brooklyn Arts Council y City Artist Corps, y fue beneficiaria de la Brookfield Place New York Annual Arts Commission y del FST StudioProjects Fund.

Sus exposiciones individuales incluyen presentaciones en el Sugar Hill Children’s Museum of Art & Storytelling, BioBAT Project Space y el Queens Botanical Garden, además de instalaciones específicas en BRIC, Brookfield Place/Winter Garden, MTA Arts, el Goethe-Institut Kolumbien y el Hilton Bogotá Corferias. También ha participado en exposiciones colectivas en PS122, Smack Mellon, Wave Hill, BRIC, The Wassaic Project, ArtBridge, KODALab y The Clemente.

Ginger Blonde es un estudio de diseño y comunicación visual fundado en 2021 por Mónica Suárez y Daniela Rubio. Con base entre Bogotá y Ciudad de Panamá, el estudio trabaja desde un enfoque cooperativo, interdisciplinario y mayoritariamente femenino, orientado a la innovación social, el diseño responsable y la transformación territorial.

Mónica Suárez y Daniela Rubio se conocieron como estudiantes de Diseño Industrial y, desde formaciones complementarias en diseño visual, textil y gestión cultural, decidieron unir sus trayectorias para fundar Ginger Blonde. El estudio se ha especializado en proyectos de desarrollo rural y en el trabajo con comunidades de artesanas. Su práctica articula equipos multidisciplinarios y utiliza el diseño, la artesanía y la gestión cultural como herramientas de desarrollo social y económico.

Un pilar fundamental de su obra es la exploración del uso de la hoja de coca como tinta natural para fibras, acuarelas, serigrafía y textiles, cuestionando su estigmatización, reivindicando su valor cultural y promoviendo su uso sostenible y creativo. A través de proyectos como Tinta Dulce, Ginger Blonde invita a repensar la coca desde la moda, el arte y el diseño, transformando una planta estigmatizada en un recurso estético, cultural y económico legítimo.

En los últimos años, Ginger Blonde ha desarrollado y participado en talleres y exhibiciones en contextos culturales y artísticos de relevancia internacional. Entre ellos se destacan los talleres de bordado y acuarela con pigmentos de coca realizados en el Museo de Arte Contemporáneo de Panamá (2024); el taller y conversatorio en Nueva York en el marco de la exposición Coca Palabra Mundo, organizado por el Ministerio de las Culturas y el colectivo Liana (2024); la serie de talleres de acuarela y serigrafía con tinta de coca, proyecto ganador de la convocatoria Narrativas Vivas de Chapinero del Centro de la Felicidad (2025); y la exhibición de carteles impresos con tinta de coca en la Feria ARCO Madrid (2025).

Edinson Javier Quiñones Falla Campo Zemanate es un artista de ascendencia Nasa, nacido en La Plata, Huila (Colombia) en 1982. Es Maestro en Artes Plásticas y Magíster en Artes Integradas con el Ambiente por la Universidad del Cauca.

Su práctica artística es autorreferencial y traza el tránsito entre el campo y la ciudad: los modos de ver y percibir los territorios, la hoja de coca como planta ancestral y sagrada, y las lecturas mediáticas que la asocian con el tráfico, las mafias organizadas y la identidad nacional. A través de instalaciones, intervenciones, dibujos, fotografías y videos, su trabajo recrea, relaciona, revela y señala una problemática que parece haberse arraigado en nuestra idiosincrasia colectiva.

Residente en Popayán, Quiñones ha desarrollado su obra a partir de una profunda exploración de las heridas causadas en su territorio ancestral por la guerra internacional contra las drogas. En 2012, tras la muerte de su abuela materna —partera y curandera tradicional Nasa—, emprendió un viaje emocional que lo llevó a involucrarse más profundamente con la planta de coca, documentando las experiencias familiares vinculadas a ella, su dimensión ancestral y su relación con el conflicto armado.

Además de su trabajo como artista, Quiñones ha liderado proyectos como el Salón Internacional Intercultural de Arte Indígena Manuel Quintín Lame, Minga. Prácticas Decoloniales, y las Residencias Artísticas Popayork.

Su obra ha sido presentada en diversos espacios en Colombia y en el exterior, entre ellos la Galería Valenzuela Klenner (Bogotá), Gallery Mario Kreuzberg (Berlín), la sede de las Naciones Unidas (Nueva York) y el Salón Nacional de Artistas de Colombia, entre otros.

Andrés Fabián Domínguez Urrea es un artista nacido en Leticia, Amazonas, Colombia, en 1983. Su práctica experimenta con medios y materiales de origen amazónico, como la yanchama o el mambe, así como con piezas de enfoque ecológico que utilizan materiales orgánicos y reciclados. Trabaja activamente en proyectos culturales y colectivos junto a comunidades en distintas regiones de Colombia, y participa en asociaciones del sector artístico del Amazonas colombiano.

La obra de Domínguez combina con frecuencia elementos mitológicos derivados de su experiencia en el Amazonas y de su relación con culturas ancestrales. Su trabajo explora la pintura y el dibujo —en particular el paisaje y el retrato de los sabedores con quienes ha establecido vínculos— e incorpora referencias al cómic y representaciones del territorio. Estas imágenes son realizadas, en muchos casos, mediante el uso de mambe (hoja de coca en polvo), que el artista sopla sobre el papel, dejando su huella a través del aliento. Su práctica aborda la ancestralidad propia del Amazonas y subraya la centralidad de su rol en el cuidado del territorio y en la permanencia de la vida en el planeta.

En su trayectoria se destaca su participación en el 15 Salón Regional de Arte, del Orinoco-Amazonia (2015), y su residencia artística en Popayork, Cauca (2018). Domínguez ha colaborado con instituciones como la Universidad Nacional, el ICBF y el Ejército Nacional. Ha ganado becas del Ministerio de Cultura, incluyendo el Programa Nacional de Estímulos en 2018. Fue representante al Departamento del Amazonas en Bellas Artes y co-creó el espacio artístico independiente "Se Arrienda" en Leticia con el Gremio de Artistas Plásticos del Amazonas.

Aimema Úai —La Voz de la Grulla— es un artista contemporáneo, mambeólogo e investigador del pueblo Murui-Muina, en la Amazonía colombiana. Nació en La Chorrera en 1996, y su formación artística está profundamente arraigada en los saberes ancestrales de su familia. La selva fue su primera escuela: un territorio sin conexión a internet, donde se vinculó con el mundo a través de la medicina tradicional, los cantos, las danzas y el cuidado de la chagra, el huerto sagrado que su madre le enseñó a cultivar. En ese espacio sembró su primer tabaco y su primera planta de coca, que más tarde se convertirían en las guías de su camino espiritual y creativo.

Su obra emerge de una relación íntima con las plantas sagradas y sus preparaciones —como el mambe y el ambil—, medicinas con las que ha aprendido a conectarse con sus ancestros y con los secretos de la selva. En la maloka, casa comunal donde se comparte la palabra y la medicina, su familia lo presentó a los espíritus, abriéndole el acceso a un conocimiento profundo sobre la naturaleza y su poder sanador. La maloka, como espacio físico y simbólico, es una constante en su vida y en su obra: allí, la hoja de coca se transforma en una herramienta que cura, orienta las decisiones colectivas y preserva la memoria de su pueblo.

Mientras pinta, Aimema recurre al mambe como un modo de comunicación con la planta, una práctica que aquieta la mente y abre el pensamiento. Sus composiciones, hechas con pigmentos vegetales extraídos de semillas, resinas y minerales, evocan la arquitectura simbólica del territorio, los tejidos del kanasto y los patrones que entrelazan cuerpo y cosmos. Nieto de abuelos que sobrevivieron al genocidio indígena durante la bonanza del caucho, su obra es también un acto de memoria y sanación: un canto visual que restituye la dignidad de las plantas, los espíritus y los pueblos que las cuidan.

Anclada en el territorio del pueblo Murui-Muina y en la sabiduría de las plantas, su práctica transita entre el arte, la espiritualidad y la ecología, invitando a imaginar nuevas formas de ver y habitar el mundo vivo.

Las obras de Aimema Úai han sido presentadas en exposiciones internacionales como El Sol y la Luna (Instituto de Visión, Nueva York, 2021), El Alma y la Memoria (Instituto de Visión, Nueva York, 2023), la exposición colectiva COCAWORLDS en la Sede de las Naciones Unidas (Nueva York, 2024) y su posterior presentación en Open Society Foundations (Nueva York, 2024–2025), así como en la Bienal das Amazônias (Belém do Pará, 2025).